Gerhard Fresacher, geboren 1972 in Niederösterreich, ist ein vielseitiger österreichischer Künstler, der sich in verschiedenen Bereichen der Kunst engagiert. Er studierte Szenografie bei Erich Wonder an der Akademie der bildenden Künste Wien. Seit dem Jahr 2000 hat Fresacher an einer Reihe von Einzel- und Gruppenausstellungen sowohl im In- als auch im Ausland teilgenommen. Zu seinen bemerkenswerten Projekten zählen die Installation „no disco behind“ in Zhytomyr, Ukraine (2018, kuratiert von Roman Grabner), eine Installation im Zuge der Handball-WM in Katar (2015), und die Ausstellung „boing! boing!“ in der Galerie. Seine Werke zeichnen sich durch eine vielfältige Praxis aus, die Installationen, Performances und szenografische Projekte umfasst.
TEXTURIERTE VERGANGENHEIT – ein Zyklus aus 7 Teilen
Der Zyklus „Texturierte Vergangenheit“, Gerhard Fresacher neueste Werke, in denen fragmentierte Realitäten und abstrakte Ausdrucksformen aufeinandertreffen. Freachers Oeuvre ist ein Zeugnis für die Kraft der Schichtung, sowohl physisch als auch metaphorisch. Seine Kunst erforscht die Grenzen zwischen Abstraktion und Darstellung und lädt die Betrachter zu einem sinnlichen Dialog mit Textur, Form und Sprache ein.
Fresachers Werk kann als ein visuelles Tagebuch betrachtet werden, in dem die flüchtigen Momente des Lebens eingefangen und bewahrt werden. Durch seine experimentellen Techniken und die Wahl seiner Materialien fängt er das Wesen der Vergänglichkeit und die Schönheit der Unvollkommenheit ein. Jedes Gemälde steht als ein Kapitel in einer sich ständig entfaltenden Geschichte, ein Archiv von Momenten, die der Einfachheit der Interpretation widerstehen.
Fragmentierte Silhouette (1/5)
Das erste Bild aus dem Zyklus „Texturierte Vergänglichkeit“ ist ein tiefgründiges Spiel mit Transparenz und Überlagerung. Die Figur, nur schemenhaft und in Fragmente aufgelöst, wird von Wortfetzen umspielt, die sich über den Körper wie ein Tattoo der Vergänglichkeit legen. Der Hintergrund, eine Leinwand aus unruhigen, pastosen Farbschlieren, erzeugt eine Spannung zwischen dem Ephemeren der abgebildeten Figur und der physischen Präsenz der Farbmaterialität. Das Werk spielt mit der Idee, dass Identität und Bedeutung stets im Fluss sind, sich auflösen und in der Zeit neu formieren. Es zeigt auf, dass alles Festgehaltene doch dem Wandel unterliegt und selbst die stärkste Aussage in ihrer Bedeutung flüchtig bleibt.
Gestörte Ikonographie (2/5)
Das zweite Bild des Zykluses, kontrastiert stark mit den vorigen Werken. Es ist ein pointiertes Zusammenspiel aus ikonischer Bildsprache und gestischer Abstraktion. Die klassische, fast nostalgische Darstellung der Figuren wird durch aggressive Übermalungen und scharfe Wortmarkierungen herausgefordert, was eine Debatte über die Rollen und Erwartungen der modernen Gesellschaft anzuregen scheint. Diese visuelle Dissonanz verweist auf den Konflikt zwischen dem Beständigen und dem Vergänglichen, zwischen dem, was wir als Schönheitsideal halten, und den unscharfen, sich bewegenden Realitäten unseres Lebens. Das Bild fängt den Augenblick eines Umbruchs ein, in dem die althergebrachten Vorstellungen zerfließen und eine neue, unbeständige Form annehmen.
Des Schwans unvollendete Symphonie (3/5)
Das dritte Bild des Zyklus „Texturierte Vergänglichkeit“ besticht durch eine markante visuelle Sprache, die sowohl die Schlichtheit als auch die Komplexität des Lebens darstellt. Eine scheinbar unberührte Schwanenfigur steht im Mittelpunkt, die für Reinheit und Schönheit steht. Um diese herum finden sich eruptive Schriftzüge, die wie eine Störung wirken und die Harmonie des Motivs durchbrechen. Diese gestische Malerei betont die Flüchtigkeit des Moments und der Schönheit, hinterfragt die Idylle und schafft eine Diskrepanz zwischen dem Bild des Perfekten und der rohen, ungeschönten Realität, die sich durch die Schrift manifestiert. Das Werk thematisiert die Vergänglichkeit von Idealen und die unvermeidliche Präsenz von Chaos im Geordneten.
Das Ende einer Reise (4/5)
Das vierte Bild im Zyklus „Texturierte Vergänglichkeit“ bietet eine tiefgreifende visuelle Auseinandersetzung mit der Brüchigkeit der menschlichen Errungenschaften. Die Darstellung eines Flugzeugs, eingebettet in eine Schichtung von Spachtelmasse und zarten Farbnuancen, vermittelt eine ambivalente Botschaft. Einerseits symbolisiert das Flugzeug den menschlichen Fortschritt, andererseits wirkt es in seiner Starre und Isolation fragil, fast verloren. Die rohe Textur und die verlaufenden Farben unterstreichen die Vergänglichkeit technologischer Meisterwerke und stellen unsere Wahrnehmung von Dauerhaftigkeit und Kontrolle in Frage.
Ephemerer Ausdruck 5/5
Das finale Bild im Zyklus „Texturierte Vergänglichkeit“ konfrontiert uns mit der eindrücklichen Verbindung von Zeit und Emotion. Eine lebendige Explosion von Rot, das vor Leidenschaft und Dringlichkeit nur so sprüht, kontrastiert mit der Reinheit und Ruhe des Weiß, das sich über einen Kalender ergießt. Dieses Werk greift die Essenz vergänglicher Momente auf und verwebt sie mit der Beständigkeit der Zeit, die unbeeindruckt von unserem inneren Aufruhr fortschreitet. Die Verwendung eines Kalenders als Untergrund für diese expressive Farbgestaltung verstärkt das Motiv der Zeit, die sowohl ein Gefängnis als auch eine Bühne für unsere intensivsten Augenblicke ist.
Die Werke von Gerhard Fresacher im Zyklus „Texturierte Vergänglichkeit“ erforschen mit bemerkenswerter Intensität die Beziehung zwischen Zeit, Emotion und Erinnerung. Sein Schaffen ist eine Hommage an den flüchtigen Moment, gefangen in den vielschichtigen Texturen und der kraftvollen Bildsprache. Fresinger versteht es meisterhaft, die Grenzen zwischen Malerei und Skulptur zu verwischen, indem er Objekte in seine Leinwände integriert und so die Werke in den Raum hinein erweitert.
Ein Kaleidoskop menschlicher Erfahrungen – von der drängenden Intensität der Farben bis hin zur Stille, die in den Weißräumen nachhallt. Die Textelemente in seinen Bildern sind mehr als nur visuelle Akzente; sie sind Träger von Bedeutungen, die zum Dialog auffordern und die Komplexität der menschlichen Natur widerspiegeln.
Der Künstler offenbart eine tiefgründige Sensibilität für Material und Medium, gepaart mit einer kühnen Bereitschaft, Konventionen zu hinterfragen. Fresinger beweist einen außergewöhnlichen Mut, indem er traditionelle Formate sprengt und uns herausfordert, den Wert und die Bedeutung von Vergänglichkeit neu zu betrachten. Sein Zyklus ist nicht nur eine ästhetische Leistung, sondern auch ein philosophisches Statement, das uns einlädt, über die Flüchtigkeit unserer eigenen Existenz zu reflektieren.